Quando si parla di Fashion Design, di moda e di creazioni è necessario prendere alla lettera le parole che utilizziamo per descrivere questo particolare aspetto della nostra società.

La foto qui sopra ne é un ottimo esempio: tutti pensiamo che vi sia in essa qualcosa di artistico e parallelamente correggiamo il nostro istinto emotivo con la razionalità e aggiungiamo al nostro pensiero la clausola “ma io non uscirei mai di casa vestito così”. Ecco, è questo il problema. Con abiti e creazioni del genere non si esce di casa, a meno che voi non siate Lady Gaga. Con questi esempi di perfezione e genialità si fanno le foto per le riviste, si partecipa alle mostre, si vincono concorsi e al massimo si sfila. Nulla a che vedere, isomma, con il quotidiano.

Alexander McQueen era un genio perché insieme a pochi altri si è ricordato di quest’opzione che solo i Fashion Designers hanno. Le sue Armadillos sono immettibili, ma passeranno alla storia e verranno iscritte nei libri di moda e design, dove non troverà mai posto la maggior parte delle creazioni ideate per il prêt-à-porter.

La differenza che sta tra il Fashion Design e il Prêt-à-Porter è la stessa che troviamo tra un quadro di Picasso, Klimt o Fontana rispetto ad un volantino che ci viene consegnato per strada piuttosto che il disegno di un bambino. In tutti questi elementi vi è un che di artistico, ma è il grado di “stravaganza” che distingue gli elementi creativi da quelli “normo-dotati”.

La stravaganza (che risiede anche semplicemente nel tratto, non per forza nel risultato finale) misura il grado di creatività dell’artista che ha ideato l’oggetto della nostra attenzione e ci fornisce gli strumenti di valutazione per il resto delle cose. Il prêt-à-porter, invece, può essere limitatamente creativo perché ha un fine più importante: deve essere pratico, mentre il Fashion Design si può permettere tutto, anche di creare qualcosa che nessuno mai indosserà.

Foto via: mosaic-on

Il nove marzo, ultimo giorno della settimana della moda parigina, Louis Vuitton ha proposto la collezione autunno/inverno 2011 con una delle più belle sfilate degli ultimi tempi.

Quattro ascensori in stile Liberty posti l’uno accanto all’altro andavano su e giù, caricando e scaricando modelle di ogni calibro: dall’appassionata scacchista Carmen Kass, alla violenta Naomi Campbell; dalla richiestissima Natasha Poly, alla britannica Kate Moss, la quale, proprio nel “No smoking day” inglese, ha pensato bene di sfidare tutti, fumando una sigaretta durante la propria sfilata. Contenta lei…

Bad girls a parte, la cosa che più ha colpito oltre alla fantascientifica base musicale, stile colonna sonora di Psycho, è stata l’innovazione, quella provocazione non necessariamente volgare, ma anzi raffinata. Hanno predominato infatti camicie bianche con generose trasparenze, autoreggenti, bustini fetish, corsetti sado, cappelli, guanti neri, vorticosi stivali in vernice e vertiginose décolletés.

Oltre al look alla Catwoman ci è parso però che Marc Jacobs (creatore della linea Vuitton) volesse prediligere anche uno stile più austero: si tratta del bon-ton dei maxi bottoni applicati sui cappotti e sulle giacche (tutte di colori tendenzialmente scuri), delle pellicce, delle gonne longuettes e delle camicie ricche di quei merletti tanto cari alla signorina Rottermeier.

Interessante, dunque, l’alternanza e la fusione tra donna sexy, frivola e provocatoria nascosta dalla compostezza e dalla propria serietà.

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In questo presente più o meno eterogeneo, sembrerebbe che l’aura della “novità” sia di per sé in grado di giustificare qualsiasi iniziativa si affacci sulla ribalta del mercato. Che poi un oggetto sia davvero progettato bene o possa essere qualitativamente interessante, sembrerebbe che possa contare meno del fatto che si presenti con la vistosa e proclamata etichetta di “nuovo prodotto”.

Questo fenomeno, che si manifesta nei settori più diversi (da quello dell’auto all’editoria), in realtà potrebbe costituire lo sfondo per una sfida, al fine di sensibilizzare gli utenti-consumatori. Se infatti è vero che gli oggetti nascono ormai con una data di scadenza incorporata (il cui ciclo di vitalità è sempre più breve), è anche vero che questa frenesia al consumo di continue novità, spinge allo stesso tempo il sempre più vasto territorio del design a misurarsi con la possibilità d’incamerare  una “nuova” densità di contenuti. Una densità nella quale gli oggetti potrebbero sfuggire alla loro ovvietà se riuscissero a rivelare il proprio spessore affidandosi a una relazione con l’utente.

Auspicando e sollecitando magari condizioni poco esplorate nell’ambito della promozione commerciale come l’inatteso, la scoperta, il gioco o la sorpresa, si affermerebbe così un concetto di design, in cui l’oggetto risulterebbe tanto più “denso” quanto più i suoi stadi d’identità si diversifichino e filtrino l’uno nell’altro, giungendo a definire il prodotto non solo per ciò che è, ma anche per ciò che è in grado di comunicare.

Se poi aggiungiamo che la fruizione dei prodotti di design potrebbe essere conseguente all’esclusiva e del tutto autonoma capacità di scelta del consumatore, potrebbe rivelarsi estremamente interessante che dall’attuale condizione di prostrazione, fragilità e impotenza degli utenti-consumatori, ci potessimo affrancare semplicemente affidandoci a quell’attitudine che usiamo chiamare “immaginazione” e che ci contraddistingue fra gli esseri viventi.

MayJayCarpet è un progetto che, oltre a piacerci per il suo essere un omaggio palese a MayJayMagazine, fa proprio questo : immagina. Giulio Palmieri ne è l’autore, con la collaborazione di Nicoletta Carbotti che mette a disposizione la superba tecnica manifatturiera “T-Resurrection” (una seconda vita per le t-shirt dismesse, come potete vedere nell’immagine qui sotto) e il suo prezioso motore (fattoreq.com) per l’eventuale realizzazione di un oggetto d’arte, un tappeto, come quello che potete vedere nella figura in testa all’articolo: ancorché in edizione limitata, e solo ed esclusivamente on-demand.

Il Council of Fashion Designers of America, l’associazione senza scopo di lucro che promuove il design della moda come parte integrante della cultura americana, ha eletto, udite udite, la Mother Monster Lady GaGa come icona di stile dell’anno 2010.

GaGa si è fatta notare lungo tutto il 2010 per i suoi abiti eccentrici quanto creativi, per la maggior parte disegnati dal direttore creativo della patinata casa Mugler, nonché mente dietro le apparizioni di GaGa, Nicola Formichetti. Per avere un’idea di quante ne sappia il tipo che è anche fashion director di Vogue Hommes Japan, vi basti dare un’occhiata alla sua pagina di Wikipedia o sul suo sito web.

Non esiste una singola volta in cui GaGa non si sia presentata con un abito simile al precedente: nel 2010 ha fatto scalpore, facendo fare fuoco e fiamme alle associazioni animaliste, col suo abito interamente fatto di carne. Meravigliose le scarpe che sembravano delle rolate di tacchino.

Alla cerimonia di premiazione dei Grammy Awards 2011 é comparsa, in forma sobria, all’interno di un uovo, trasportata, stile moderna Cleopatra sci-fi, da quattro modelli che sostenevano l’uovo, simbolo della sua rinascita, e da una modella che le faceva da portavoce mentre lei rimaneva in incubazione in attesa della salita sul palco.

La Mother Monster è salita in passerella per la prima volta il 3 marzo a Parigi, in occasione della sfilata Mugler donna; in quest’occasione ha presentato anche il nuovo singolo remixato Government Hooker, tratto dall’album di imminente uscita Born This Way.

GaGa sarà premiata il 6 giugno insieme a Marc Jacobs, ritenuto il designer americano più influente del momento. Inutile dire che sono già aperte le scommesse per la mise che GaGa sceglierà per l’occasione!

Chi ha detto che il bianco e il nero sono colori smorti e poco emozionali è evidente che sia daltonico, oppure non ha mai visto una qualsiasi donna con la pelle color ebano portare in maniera così glamour un abito di queste fattezze. C’è anche da dire che la modella nella foto, Chanel Iman, è una di quelle persone che potrebbe indossare anche un sacchetto della spazzatura al contrario e farebbe comunque un bellissima figura charmante. Ma è anche vero che l’abito aiuta molto il monaco a farsi riconoscere tra la folla e l’uso di contrasti soft ma notabili come in questo caso è certamente un buon modo per ricordare agli altri che su questo pianeta ci siamo anche noi. Allora quello che bisogna sottolineare è proprio l’importanza e l’eleganza che un contrasto ben studiato può regalare al vostro viso, alla vostra pelle e soprattutto alla vostra personalità. Qualcuno ha detto che vestirsi vuol dire coprire la propria pelle dal contatto con gli altri di cui abbiamo paura, io credo che sia meglio pensare agli abiti come un’esteriorizzazione della nostra personalità, un modo per dire agli altri chi siamo prima che possano giudicare i nostri pensieri, e l’eleganza è l’apoteosi della presentazione di sè. No?

foto: Elle UK – Fabbraio 2011